中国画高度重视“传神”，传统画论对此多有论述。在主题性创作中，要激发中国画的创造活力、时代活力，表现“中国精神、中国价值、中国力量”，就要激活中国画“以形写神”的艺术传统。
苏轼在《文与可画筼筜谷偃竹记》中有言：“画竹必先得成竹于胸中，执笔熟视，乃见其所欲画者，急起从之，振笔直遂，以追其所见，如兔起鹘落，少纵则逝矣”，对“以形写神”的创作方式进行了精彩又高度概括的总结。这种“胸有成竹”的创作方式，具有鲜明的中国艺术特色——捕捉物象的神韵；默记物象的音容特点；快速落笔，留住稍纵即逝的物象姿态和艺术感受，所画作品既能形似，亦复传神，对于时代精神、中国精神的艺术表达，无疑具有显著优势。
能够传世的作品必传神。真正传神的作品，既是艺术写真，更是时代写照。只有在时代生活中“抓活鱼”，艺术才能拥有“沾泥土”“带露珠”“冒热气”的生动与鲜活。从时代、人民对主题性艺术创作的要求，思考“以形写神”在中国画史中的重要性，可以获得更深刻的体会。
在主题性美术创作中，要想将物象刻画得新鲜而富有活力，画家必须合理运用与主题精神相谐适的表现手法，这既是时代精品的创作要求，也是审美意境的重要评价标准。从中国画的特性和发展脉络来看，中国画的生动性主要并不来源于逼真的写实效果，更多来自画家对于现实生活、大自然及其内部规律的悉心观察与感悟，以及对外界形象的主观意象化艺术处理与塑造。“问渠那得清如许？为有源头活水来”。当下，画家更应当深入火热的社会实践，用心体验，对新时代涌现的新题材和与之相应的艺术语言进行反复锤炼。
在这个反复锤炼的过程中，素材的搜集，以及在此基础之上的艺术升华尤为重要。要想抓到“活鱼”，艺术家首先要以充盈的情感与澄澈的心灵，去捕捉生活中的闪光点，增强内心对表现对象的充分认识，并将这种真实的情感带入创作过程，对画面内容进行意象化的观察和剪裁：对艺术形象最重要的特征进行必要的强化，对不需要表现的东西有意识弱化甚至不画，从而充分凸显艺术感受。因此，从本质而言，中国画创作者对于形象的把握，是对绘画整体思考后的主观表达。如果画家在创作时无选择、无情感投入地照抄物象，即使能在技法上做到无比细腻，也会失去对生活的真切感受和体验，堕入机械描摹与制作的泥潭。这种作品可能极为逼真，但必然少了鲜活和灵动的艺术气质，难以打动人，更不能带给人美的享受和思想启迪。因此，“逼真”并非中国画所追求的终极目标。正如齐白石所言，绘画贵在“似与不似之间”。这是中国画的至高境界，也是艺术精品与平庸之作的本质区别。
要想获得“沾泥土”“带露珠”“冒热气”的艺术效果，主题性创作还必须远离程式化。画家创作时若拘泥于成法的制作，则有程式化的嫌疑。程式化创作很容易让画家失去创造力——艺术独创的过程总是艰辛的，肯定不如以驾轻就熟的艺术形式完成创作那么轻松，因此，在注重传承关系的中国书画领域，缺乏真切艺术感受的程式化创作容易成为一种惯性。在技法娴熟和已有的观念基础上，中国画创作者要勇于摒弃习惯性的创作图式，保持艺术敏感度，将生活中感动心灵的瞬间完整记录下来，让内容与形式妥帖融合，增强作品的感染力，契合、刻记属于这个时代的视觉印象和审美情境。